Type de projet : Expositions

Wall Paper – à distance –  10 06 20 – 10 03 21

Visite uniquement sur rdv : contact@espacelabo.net

Wall Paper project
Work in progress

Depuis le 10 juin 2020, vous pouvez découvrir les propositions des artistes qui sont affichées les unes après les autres dans un ordre aléatoire.

Suite au Lockdown et en l’absence de présence physique des artistes, j’ai suggéré une transmission d’œuvres par e-mail et une réflexion sur la reproductibilité. J’ai proposé aux artistes de nous soumettre une œuvre reproductible sur papier par impression photocopieuse Rico noir blanc – au format A3 ou A4. Ces propositions sont imprimées puis collées au mur par l’équipe du Labo. Les artistes invités sont libres de présenter une image qui sera imprimée au format A4 ou A3, agrandie ou multipliée selon leurs instructions.

Ces images qui étaient visibles au travers de la vitrine, sont désormais accessibles dans la galerie en raison de sa réouverture. L’installation change régulièrement. Sans timeline précise, les projets Wall Paper se superposent au fil du temps durant ces prochaines semaines et mois. Telles les pages d’un livre ouvert, les murs du Labo déploient des contenus proposés à grande échelle, les uns après les autres.

Des photographies prisent régulièrement permettent de percevoir le développement des divers projets dans la totalité de l’espace et de garder une trace de ces installations in situ. La diffusion du projet sera visible via les diverses plateformes web et une publication regroupera l’ensemble des projets artistiques.

Avec les contributions de :

Lena Amuat & Zoë Meyer
Andrea Aversa
Céline Brunko
Thomas Bonny
Patricia Bucher
Ralph Bürgin
Davide Cascio
Jagna Ciuchta
Coline Davaud & Céline Privet – atelier supercocotte
Gustave Didelot
Emilie Ding
Stéphanie Gygax
Andreas Hochuli
Lea Jaecklin
Lisa Lurati
Laure Marville
Guy Meldem
Elena Montesinos
Yoan Mudry
Cyril Porchet
Arnaud Sancosme
Batia Suter
Aymeric Tarrade

Le Wall Paper est une proposition curatoriale de Karen Alphonso avec le soutien du Fonds cantonal d’art contemporain, DCS, Genève.


Video GiF – montage du 4 novembre : ici

Vue de l’installation de la proposition de Andrea Aversa

Sous le soleil exactement – Harold Bouvard

Crédit photo Lumière noire

Une forme monumentale compose et décompose l’espace d’exposition et ses volumes. Une forme brute, taillée dans la masse d’un tronc de Cèdre posé en équilibre dans l’espace Labo. La série Indigène est oscille entre force et fragilité.

L’exposition Sous le soleil exactement rassemble les dernières pièces de Harold Bouvard: sculptures, gravure, bois et papier dialoguent.

Invité à participer au Groupshow organisé pour les dix ans du Labo, Harold Bouvard proposait une dérive de sa pratique de sculpture, la gravure. L’artiste joue avec les espaces, les vides, révélant les formes abstraites creusées dans un (autre) tronc de cèdre, composées à partir de papiers découpées et disposées sur le bois, ont été réalisées sur place durant l’exposition évolutive de novembre 2018 à février 2019. La série se nomme Black sap. L’impression se fait au rouleau par le poids du corps sur du papier plotter révélant le veinage, les nœuds et les imperfections du bois travaillé à la main. Semblable à la technique de la plaque perdue, la surface ensuite rabotée garde les creux les plus profonds, des strates qui se révèleront puis s’effaceront telle une image fantôme. En décembre 2018, trois tirages (150x200cm) de cette matrice à l’essence boisée furent imprimés in situ et présenté dans l’espace du Labo.


Dans la lignée de ce travail de papier découpé, il crée une série de collages, nommée Colombo stile à partir de page d’un livre d’aménagement d’intérieur déniché dans une brocante. Les compositions découpées dans des feuilles blanches, révèlent des morceaux de mobilier surannés, photographiés en noir et blanc imprimés sur ces pages de couleurs sépia. Des formes hybrides apparaissent alors en négatif. Ces collages sont fixés dans des cadres réalisés en cartons, dans une dérive du support papier. Le dialogue se crée ici dans l’espace face au sculptures au formes semblables.

Karen Alphonso

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photo: Karen Alphonso

Article: Sous le soleil, un matin de mars

Crédit photo Karen Alphonso

Vue de l’exposition « Sous le soleil exactement » de Harold Bouvard

Non content de revendiquer un bagage d’artisan ébéniste, Harold Bouvard prolonge et utilise ses connaissances intimes des matériaux et de leurs caractéristiques – en particulier le bois, le tissu et le cuir – dans sa recherche artistique. Dans un large mélange de références, tirées de l’histoire passée et présente, l’artiste se plaît à brouiller les catégories (artisan/artiste, culture élitaire/populaire, objet brut/usiné) et les idées reçues pour mieux en souligner les limites.
C’est un catalogue publicitaire d’une marque italienne d’ameublement produisant sur commande tous les styles historiques qui donne son nom à cette série de cinq collages et lui sert de matrice. Relégué au second plan, ces publicités très orchestrées ressemblent à des petites scènes de théâtre, dont les cadres-boîtes accentuent l’aspect scénique : sous nos yeux, une confrontation de formes se joue. Les photographies d’intérieurs richement décorés se voient envahies et narguées par toute une foule de formes blanches, plates et abstraites coupées dans le papier, comme si exubérance figurative et abstraction minimaliste cherchaient chacune de son coté à gagner du terrain.
Yves Christen

A Spotting Journey – Aurélie Doutre

Le 23 janvier 2020, Aurélie Doutre présenta en vitrine une installation vidéo présentant un montage sur cinq moniteurs. A l’intérieur du Labo , un espace de consultation mettait à disposiiton du public les documents lié à sa recherche à Berlin.

Espace de documentation
Espace de documentation
  • installation vidéo sur moniteur au Labo, janvier 2020

A Spotting Journey

Un repérage, c’est d’abord la construction d’une collection.
De cette collecte, collection, de cet arpentage où la notion de l’exhaustif, du non-jugement est central, se dégage au fil des découvertes et des rencontres, une forme, un discours, une sensation générale bien loin de nos pré-jugés.
Lieux hétéroclites, histoires hétérogènes, semblances, dissemblances, extra et infra-orinaires, évènements courts, temps longs, personnages, personnes, souvenirs, paroles, touchent à une dimension majeure de la critique : le discernement, le «qu’est-ce que ça nous raconte»? Comment voir?

Et comment voir autrement que par le biais de ce que l’on veut immédiatement nous montrer? Autrement dit, nous prenons des voies obliques, des stratégies obliques, nous tentons de déchiffrer. Nous explorons par les quatre points cardinaux une architecture, nous cherchons ceux qui n’ont pas eu la parole, nous déconstruisons le discours officiel, du moins le questionnons quand il est trop pressant ou trop évident.

De cette collection, on en tire une substance à un moment T, avec des histoires d’espaces et leur devenir. L’idée ici n’est pas de comparer une idée à l’autre (un passé socialiste, un présent capitaliste) mais de créer un rapport. Et en rapprochant ces deux réalités éloignées, former une image.

Aurélie Doutre

Espace de documentation
Dès le 23 janvier 2020 A spotting journey – Aurélie Doutre / Vitrine installation vidéo et salon de consultation

Engrammes – Benoît Billotte

Engrammes
impressions numériques sur tissus, installation, dimensions variables
production Musée Charmey
février 2019

 

 

Benoît Billotte
ENGRAMMES

Vernissage le 29 août dès 18h

 

Engrammes se compose de 7 impressions numériques sur crèpe de Chine. Chaque tissu présente un montage numérique sur une gravure du 19e siècle.

Dans ces paysages montagneux ou ces lacustres, l’eau est omniprésente, tant sous forme liquide que solide. Les formes blanches représentent quant à elles diverses manifestations aquatiques à l’échelle microscopique. Saisies dans un instant donné, elles incarnent des mémoires de formes, d’où le titre d’Engrammes.

De la même manière, les gravures cristallisent une vue à mi-chemin entre la nature scientifique et romantique de l’eau dans son contexte naturel (cascade, mer de glace, lac ou neige). Ces deux sources d’images sont ici assemblées sur des tissus et flottent dans l’espace d’exposition comme des paysages que l’on pourrait à notre guise traverser.

 

Engrammes
Benoît Billotte
du 29 août au 14 septembre 2019

Le Labo
Boulevard Saint-Georges 5, 1205 Genève espacelabo.net
Ouverture du mercredi au vendredi de 14h à 19h et sur rendez-vous contact@espacelabo.net – +41225567275
Le Labo a le soutien de la Ville de Genève.

 

Je rêve de toi même la nuit – Hadrien Dussoix

 

Une exposition de Hadrien Dussoix
visible jusqu’au 17 août 2019
du mercredi au vendredi
de 14h à 19h
et sur rendez-vous: contact@espacelabo.net
+41225567275

Présence de l’artiste
Vendredi 19 juillet 17h -21h / Samedi 20 juillet 17h-21h / vendredi 26 juillet 17h-21h / samedi 27 juillet 17h -21h

L’exposition a reçu le soutien du Fonds municipal d’art contemporain de la Ville de Genève.

Remerciement aux techniciens: Christopher Lamielle et à l’équipe de Materiuum

    Breach the protocol – Labo’s ten years group show

    Group show
    15 11 18 – 23 03 19

    Part 1
    15 11 18 – 05 12 18

    Part 2
    06 12 18 – 05 01 19

    Part 3
    24 01 19
    07 02 19
    07 03 19
    23 03 19

    Le Group show démarré en novembre 2018 marque les dix ans d’activités du Labo et approfondit le concept d’exposition évolutive infinie déjà tenté fin 2015 avec l’expositon [?] [?] [r]. Cette fois, l’invitation amena les artistes à réfléchir à la structure, du point de vue architecturale et philosophique.
    Partant de la proposition d’une restructuration collaborative, les artistes proposèrent dans un premier temps des interventions directement sur le lieu: révélation, soustraction, transformation. D’autres concepts se déployèrent dans l’espace sous forment conceptuelles ou poétiques.
    Les multiples ouvertures faisant office de vernissages au sein de cette même exposition permet de voir l’évolution de certains projets, et l’ajout de nouvelles pièces. Ce projet aux possibles exponnentiels déclenche un processus amenant à la notion d’un projet infini par addition et soustraction continuel différé sur divers espaces dans des temporalités décalées, instauré par le dépliement des espaces, eux, définis: Vitrine – Espace – Cave.

    L’exposition dense et foisonnante donne à voir diverses interprétations de la proposition de départ tout en visitant les possibles d’un espace d’art indépendant. Les multiples ouvertures faisant office de vernissage donnent à voir chaque mois, une nouvelle exposition avec les mêmes artistes, de nouveaux artistes, les mêmes pièce et de nouvelles pièces.

    Le group show neverending show est prolongé jusqu’au 15 mai 2019.

     

    Feuille de salle

    Remerciement aux techniciens: Christopher Lamielle, Murat Bulut Aysan pour leur aide technique et à tous les artistes qui se sont investis dans ce projet.